En todo tipo de obras artísticas, de todo género y cultura, se han abordado de diversas formas aquellos temas universales, que en esencia dictan las alegrías y los desfortunios de todos los seres humanos, desde el inicio de los tiempos.
De esta forma, el amor de pareja ocupa un lugar central como tema de todo tipo de obras, resaltando quizá como la pulsión vital más abordada por el arte (Que lo refleja con la misma preponderancia que suele tener en la vida cotidiana de todos los seres humanos)
El ser humano le teme a aquello que desconoce. Y dentro de este terreno, la muerte es la entidad por excelencia que simboliza no solo esta incertidumbre absoluta, sino el fin de su existencia terrenal, lo que en mi opinión le llevó a crear un concepto que disminuyera ese temor. La concepción de un Dios que nos crea -y explica a su vez ese otro misterio sobre nuestro origen y propósito- matizó a su vez nuestro miedo a la muerte, mediante su negación -ya que en esencia, creo que la vida que nos espera tras la muerte no es más que ocultar nuestra incertidumbre igualando el concepto de la muerte al de la vida, o por lo menos matizandola como una extensión de la mísma que no conocemos, pero que supuestamente existe y conoceremos con certeza al morir.
Si el amor es el concepto más cercano y ligado a la vida, la melancolía es el equivalente en lo que a la muerte se refiere.
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Las obras que abordan el amor, la alegría o la esperanza, es decir, todos aquellos temas que son extensiones directas de la vida, suelen caracaterizarse por ir de acorde a ese tema y ser una celebración de la vida mísma.
Un ejemplo típico sería el cuarto movimiento de la novena sinfonía de Bethoven, a la cual se le agregó aquel canto que pasaría a conocerse como El Himno a la alegría.
Tomando en cuenta que la obra es una celebración y una oda a la vida, la obra que resulta de la unión de la música con el canto resulta majestuosa y posee una belleza que sobrepasa las barreras del tiempo y los diferentes contextos socioculturales, convirtiendola en una pieza cuya valor e impacto supera los cambiantes cánones estéticos que la belleza va adquiriendo -o perdiendo- de una generación a otra.
De ahí su universalidad.
Aún en el terreno de la música, lo mismo es cierto para obras que celebran el amor -como Something de los beatles-, la esperanza - como Here comes the sun, tambien de Harrison, Bittersweet Symphony de The Verve o Let it Be de McCartney-, la paternidad -como Beautiful boy de Lennon-, la amistad -como en el caso de With a little help of my friends de los beatles- o la tranquilidad y la templanza -como podría ser el caso de The Masterplan de Oasis.
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Si el arte es un reflejo de la forma en la cual el ser humano percibe su mundo, necesariamente implica la existencia de obras artísticas que aborden aquel otro espectro que preocupa a todos los seres humanos en la misma proporción que aquellos conceptos que derivan de la vida. Es decir, todos aquellos conceptos que abordan directamente a la muerte, o indirectamente, al hablar de aquellos temas que son extensiones de la mísma, como la tristeza, el duelo, la melancolía, la desesperanza, la desolación o el desamor en cualquiera de sus variantes.
El ser humano experimenta todos estos estos temas en la misma proporción que aquellas pulsiones que abordan y extienden la vida.
Siguiendo el ejemplo anterior, que toma al cuarto movimiento de la novenia sinfonía de Bethovenn como una de las máximas expresiones artíticas que celebran la vida, podríamos contraponer a dicha obra el caso del Requiem de Mozart, que como todos sabemos, escribió por encargo, sin saber que terminaría siendo su propio Requiem.
En cuestión de música, aquellas obras que celebran la vida suelen estar compuestas, por lo menos en su mayor parte, por los siete acordes principales en su variante mayor.
El uso de do menor, re menor, mi menor, fa menor, sol menor, la menor y si menor suele ser la base de aquellas obras que abordan la muerte y sus temas derivados.
Tal es el caso del Requiem de Mozart por ejemplo.
Sin embargo, cuando escuchamos esta obra, nos damos cuenta que su belleza estética es por lo menos igual a la del caso de la novena sinfonía.
Sin embargo, la belleza que deriva de las obras que abordan temas como la muerte, el desamor o la melancolía, nos produce una sensación no exenta de una cierta confusión, que resulta del ver dichos temas a traves de la óptica de un artista que nos lleva a contemplarlos a traves de la lente de la belleza.
Bajando a un plano más terrenal -ya que este tipo de obras no solo han sido creadas por los más grandes genios de la humanidad sino por músicos y artistas de todas las épocas- creo que de ahí deriva la belleza de la música de bandas como Pink Floyd o Radiohead.
A menudo canciones tan tristes como Down in a Hole de Alice in Chains, Hurt de Nine Inch Nails o No distance left to run de blur son citadas como las favoritas de miles de personas.
Radiohead, por poner un ejemplo, aborda en sus letras temas derivados de la vida, así como temas derivados de su contraparte, y la forma en que estas letras transmiten su mensaje a traves del vehículo de una música que fascina por igual a sus fans que las letras de Thom Yorke, produce esa sensación extraña que suele asociarse a la obra de la banda inglesa.
Paranoid Android por ejemplo es mi canción favorita. Lo fue desde la primera vez que la escuche y no ha perdido ese lugar desde entonces.
Lo que me gusta de esta canción es esa aparente sensación de caos que transmite la primera vez que es escuchada, y la forma en que esta va adquiriendo un orden peculiar dentro del mismo con el paso del tiempo y de escuchar la canción (Cientos de veces en mi caso)
Creo que uno de los aspectos más interesantes de la canción es ese cambio total de ritmos y temas a lo largo de sus casi siete minutos, que lleva a considerar el todo como la unión de diferentes fragmentos que bien podrían ser canciones en sí mismas.
Y dentro de todo esto, quizá lo que más me desconcierta, hasta la fecha, aún despues de escuchar la canción cientos de veces, es como aquellas partes en las cuales la música es más agresiva, la letra lo es, sin embargo, el momento en el cual Thom Yorke canta el verso más desolador -y por momentos aterrador- de la canción es precisamente cuando la música de la canción deja un lado la estridencia y la agresividad de la guitarra de Johnny Greenwood- y pasa al penúltimo cambio antes del solo final, el cual esta marcado por una música tranquila, casi completamente acústica y bella -desde ese punto de vista que suele acompañar a las piezas musicales que celebran la vida- y es solo cuando ponemos atención que nos damos cuenta que es precisamente en ese fragmento en donde Yorke canta letras que contienen frases como:
Rain down, rain down
oh come on rain down on me,
The dust and the screaming
the yuppies networking,
the panic, the vomit,
the panic, the vomit,
God loves his children,
God loves his children, yeah...
Solo para dar paso al caótico solo final.
Otro ejemplo de la misma banda es la canción Street Spirit (Fade Out), que está contenida en el segundo album de Radiohead, The Bends.
Es otro ojemplo de una letra aún mas desoladora, enmarcada por la belleza de la música.
En cierta ocasión, durante una entrevista, Thom Yorke se refirió de esta forma a esa canción:
"'Street Spirit' is our purest song, but I didn't write it.... It wrote itself.We were just its messengers... Its biological catylysts. It's core is a completemystery to me... and (pause) you know, I wouldn't ever try to write something that hopeless... All of our saddest songs have somewhere in them at least a glimmer of resolve... 'Street Spirit' has no resolve... It is the dark tunnelwithout the light at the end. It represents all tragic emotion that is sohurtful that the sound of that melody is its only definition. We all have a wayof dealing with that song... It's called detachment... Especially me.. I detachmy emotional radar from that song, or I couldn't play it... I'd crack. I'd breakdown on stage.. that's why its lyrics are just a bunch of mini-stories or visualimages as opposed to a cohesive explanation of its meaning... I used images setto the music that I thought would convey the emotional entirety of the lyric andmusic working together... That's what's meant by 'all these things are one toswallow whole'.. I meant the emotional entirety, because I didn't have it in meto articulate the emotion... (pause) I'd crack.... Our fans are braver than I tolet that song penetrate them, or maybe they don't realize what they're listeningto.. They don't realize that 'Street Spirit' is about staring the f--king devilright in the eyes... and knowing, no matter what the hell you do, he'll get thelast laugh...and it's real...and true. The devil really will get the last laughin all cases without exception, and if I let myself think about that to long,I'd crack. I can't believe we have fans that can deal emotionally with thatsong... That's why I'm convinced that they don't know what it's about. It's whywe play it towards the end of our sets. It drains me, and it shakes me, andhurts like hell everytime I play it, looking out at thousands of people cheeringand smiling, oblivious to the tragedy of it's meaning, like when you're going tohave your dog put down and it's wagging it's tail on the way there. That's whatthey all look like, and it breaks my heart.I wish that song hadn't picked us as its catalysts, and so I don't claim it. Itasks too much. (very long pause). I didn't write that song."
El valor de esta interpretación deriva del simple hecho de ser la visión del propio autor de la obra.
Thom Yorke aborda un aspecto interesante que suele caracterizar este tipo de obras. A menudo estas canciones abordan la melancolía, la desesperanza o el desamor, sin embargo, dentro de la misma canción hay un cierto elemento de esperanza o una solución a ese conflicto. Tal como menciona Thom Yorke, Street Spirit (Fade Out) resulta particularmente cruda, porque carece de ese elemento de esperanza.
Bittersweet Symphony por ejemplo es en esencia una crítica social muy compleja y amplia, sin embargo, es en la música en donde, por lo menos en mi opinión, Richard Ashcroft incorpora ese elemento no solo de esperanza sino de grandeza que al final es la contraparte a la letra de la canción.
Something, de George Harrison, me parece la mas bella canción de amor que se haya compuesto, no solo por su música. Principalmente por su letra. En ella Harrison comienza enumerando esas cualidades que tiene su pareja (Patti Boyd en ese momento) que le llevan a profesarle ese amor, sin embargo introduce ese elemento de incertidumbre que acompaña al amor de pareja, al confesar que no puede contestarle si ese amor sobrevivirá el paso del tiempo e irá creciendo, a lo cual se limita a pedirle que deje que sea precisamente el mismo paso del tiempo lo que le den esa respuesta que de otra forma no puede darle.
De esta forma, también en las canciones que hablan del amor podemos ver esa celebración y a la vez ese elemento de incertidumbre que acompaña una emoción tan compleja.
Por esa razón es que Something me parece más completa que Woman, de Lennon -a pesar de su belleza y de contener en su línea y música final una de las más hermosas celebraciones al amor que haya sido plasmada en una canción ("I love you, now and forever"). Lennon deposita su vida entera en Yoko ("Please remember, my life is in your hands...") y le confiere el haberle dado la capacidad de llegar a ciertos conceptos que en mi opinión pueden ir de la mano del amor, pero no dependen de el ("For showing me, the meaning of success...")
De cualquier forma, la fascinación que nos produce el arte radica precisamente en como una obra genera interpretaciones diferentes que jamás son iguales del todo, de una persona a otra.
El artista, mediante su don, nos muestra aspectos de nosotros mismos que probablemente no hubieramos conocido de otra forma.
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La belleza se encuentra en todas partes y de cualquier forma esto esta determinado por el concepto que cada quien le de al término.
Sin embargo, no deja de ser interesante esa belleza que percibimos en aquellas obras que abordan temas de los cuales, por lo menos de forma inconsciente, no esperaríamos encontrar belleza.
La belleza que deriva de estas obras y esa sensación de confusión que nos produce -una confusión que no deja de ser un cierto conflicto interno- es una de sus variantes más interesantes y complejas. Es una de las innumerables características por las cuales el arte es un don en el artista y una bendición para todos aquellos que busquen esas preguntas y respuestas que nos plantea cualquier expresión artística genuina.
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En mi caso, yo me quedo con la definición de belleza de Carlos Fuentes que la define simplemente como la verdad dentro del mundo que nos rodea, o por lo menos, nuestro máximo esfuerzo de reflejar esa verdad a traves de la óptica con que cada uno de nosotros lo percibe.
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